Rocío Badiola: Editorial de moda.
Se organizó durante la semana del 20 al 22 del pasado diciembre la cuarta edición de Hac_r Diálogos, una serie de jornadas abiertas al público en las que profesionales del ‘saber hacer local’ son invitados a aconsejar y compartir su experiencia en el mundo laboral tanto con el alumnado como con todo aquel interesado, ofreciendo así un valioso referente dentro de la industria del diseño gráfico y de moda.
Contamos durante la segunda jornada con Rocío Badiola, fotógrafa dedicada a la editorial de moda que ofreció durante la conferencia tanto una visión interna del oficio al que se dedica y la situación actual del mercado, como varios referentes en cuanto al rumbo que ella misma tomó o que podemos seguir nosotros para acercarnos a la industria. Comenzó así definiendo el término de ‘editorial de moda’, primero de manera formal y luego aportando sus propios matices.
Esta es un género fotográfico que busca contar una historia, sea como recurso para la publicación de una revista o con fines comerciales dentro de la campaña de una marca. Cuenta con un gran equipo, compuesto no solo por el fotógrafo y modelo sino también por los maquilladores, peluqueros, estilistas y directores de set, para asegurarse de que todo sale como debe ser y se cumple la función narrativa y estética de la fotografía. Con un fin comercial encontramos también el denominado e-commerce, un tipo de fotografía diferenciada por enfocarse únicamente en representar bien el producto para plataformas de venta online. No obstante, ciertas tendencias actuales pueden aplicarse a ambos géneros: tales como una mayor diversidad de representación cultural, raza, condiciones de la piel y, en algunos casos, talla. También se aprecia cierta inclinación por lo orgánico y natural, en sintonía con un movimiento a favor de la sostenibilidad en la industria.
Apostando por publicaciones no tan convencionales de esta fotografía, nuestra invitada dio a conocer un listado de revistas independientes fuera de la corriente principal ofreciendo además una breve descripción de cada una de ellas, The Gentlewoman, AnOther, Document Journal, So It Goes, Unpolished y Unconditional siendo solo algunas de las que llegó a mencionar. A estas referencias se les sumaron más adelante fotógrafos de renombre con estilos y un uso del lenguaje fotográfico muy característico, ilustrando la cantidad y variedad de resultados que pueden llegar a conseguirse en función de los objetivos e identidad de cada uno. Algunos de ellos fueron Paul Horst, Helmut Newton, Richard Avedon, Patrick Demarcherler, Annie Leibovitz, Rafael Pavarotti, Sam Rock, Julia Hetta, Vincent Van der Wijngaard y Cass Bird.
Los consejos finales que aportó la conferencia fueron los de centrarse no necesariamente en ser creativos o demasiado perfeccionistas, sino en hacer las cosas bien para ir desarrollando un cierto criterio y saber elegir o encontrar un equipo acertado. Aprovechar la oferta cultural local y alejarnos un poco de la saturación social de las redes supone también un recurso muy útil, además de comenzar copiando para saber realmente qué línea queremos seguir. En palabras de nuestra propia invitada, se trata de ‘no perder la motivación nada más salir de estudiar’.
¿Qué crees que necesita hoy en día el mundo del diseño, qué puede aportar nuestra generación?
¿Del diseño de moda? Pues, joé, esa es una muy buena pregunta. Pues yo creo, como lo decía antes, en realidad las marcas se están basando en vosotros, en las generaciones de ahora, y yo creo que- realmente no sé exactamente lo que vais a aportar, pero lo que aportéis será lo que dictamine el futuro, no, el futuro de las marcas. Simplemente por eso, porque las marcas se fijan totalmente en vosotros, en lo que vivís. Es que para vosotros, creéis que no estáis haciendo nada pero lo estáis haciendo todo sin saberlo, y es por eso que las marcas se fijan en vosotros. Bueno, y también estoy segura que irá muy ligado al tema de la sostenibilidad, porque es algo que viene muy fuerte, muy fuerte, y es bueno que sea así y es importante. Pero bueno, sí, la verdad es que la respuesta sería esa: yo no sé lo que va a ser, ni siquiera lo sabéis vosotros, pero es algo que se va a dar y las marcas yá están mirando hacia vosotros.
¿Qué consejo inicial le darías a alguien interesado en ir creando su propia marca, o estableciendo una identidad propia?
Pues ese, lo que he dicho antes en la charla. Yo creo que no obsesionarse por el tema de ser creativo, ser creativo, ‘tengo que ser creativo, tengo que hacer un moodboard que sea la bomba, un cuaderno, nosequé’, no. Yo creo que lo importante es no estresarse, estar feliz contigo mismo, no querer aspirar a algo increíble, y directamente yo empezaría por el tema de copiar, sí. Es lo que a mí me ayudó, y es lo que les ha ayudado a muchísimos, y además hay que de verdad acabar con el tema de que copiar es algo malo. No, no lo es, de hecho copiar es parte del proceso creativo, eso está clarísimo. Copiamos, los artistas clásicos empezaban copiando, y todo, y realmente es así, como se empieza en todo.
¿Resulta más útil tener contactos, o tener estudios, a la hora de encontrar trabajo?
Contactos, sin duda, sin lugar a duda. Obviamente es una mezcla de los dos, pero, la verdad, yo que estoy en fotografía de moda, y que trabajo en el mundo profesional, lo más importante desafortunadamente son los contactos, sí. No dudaría en eso.
Yo creo que lo de los contactos es un tema que cuesta muchísimo, a mí, de siempre me ha costado un montón, pero hay que perderle el miedo y bueno, contactar a gente- mira, el otro día leía un fotógrafo que decía ‘yo cuando empecé, envié mi portfolio a doscientas marcas y respondieron dos’. Y es un fotógrafo que ya hacía fotos muy buenas. Pues sí, la verdad es que es una pena, pero es así. Y hay que insistir en contactar, en contactar, en contactar, sí, y tener un buen portfolio. Pero portfolio, es importante pero no tanto, no tanto, lo importante ya te digo sí que desafortunadamente son los contactos. Y luego ya, pues eso mira, ya habrá tiempo para seguir construyendo tu portfolio. Obviamente si tu trabajo es muy malo, pues entonces los contactos igual te van a servir pero no tanto. Pero damos por hecho que sois gente que puede aportar algo, aunque sea mínimo, algo.
¿Cómo escoges en tus trabajos el tema de inspiración, la narración que tiene la fotografía?
Ay, me encanta esa pregunta, me encanta. Pues, sí, me gusta muchísimo esa pregunta porque ahora precisamente voy a elegir las diferentes temáticas que elija va a ser precisamente porque últimamente estoy yendo más a, tengo un poquito más de tiempo libre y entonces puedo ir a, el otro día estuve en un espectáculo de danza chulísimo, y que me surgieron un montón de ideas, un montón de ideas, y es que solo quería salir de allí, en plan digo ‘voy a hacer cosas, voy a apuntarlo’, que pena que no me llevé una libreta ni nada, no, pero me surgían un montón de ideas, y sí, yo creo que la inspiración va a venir de ahí, de lo último que he visto en danza, de lo último que he oído en música, en cine, sobretodo, muchísimo cine, y sí, más que estar metido ahí en Instagram.
¿Cómo decides, en función del encargo, aplicar cada principio del lenguaje fotográfico?
A veces viene dado por el cliente, muchas veces viene dado por el cliente, porque tú vas a hacer fotos, a dirigir a la modelo, y tal, pero todo el resto viene dado, viene el maquillador, el estilista, la luz, por ejemplo en Inditex está todo controladísimo, tú no puedes decir ‘voy a hacer esta luz’, no, es la luz que hay y es así, tú solo vas a dirigir a la modelo y hacer las fotos, ya está. Pero cuando es un proyecto así, en el que tú decides todo, pues es la agencia o el cliente el que te da un moodboard, te da un moodboard de lo que quiere hacer. Y normalmente va definido ahí, sí, va definido que lo quiere, ‘pues vamos a hacer la campaña de verano’, y lo quiere en la playa, o lo quiere en el campo, y sí, suele estar definido. Y si no, yo tengo mis moodboards y lo propongo, propongo un tipo de moodboard u otro.
