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METAVERSO, NFTs Y MODA

Desde octubre del año pasado, a raíz del cambio de nombre de la compañía tecnológica Facebook a Meta, hay dos palabras que no dejamos de escuchar: «metaverso» y «NFT». Pero, ¿qué
significan realmente estos conceptos y cómo influyen en la industria textil?

Primero lo primero, y es que a pesar de que la palabra «metaverso» se ha viralizado en los últimos meses, este concepto existe desde hace 30 años, pues fue creado en 1992 por el novelista de
ciencia ficción Neal Stephenson. Introducido el origen de esta palabra, podemos ahora pasar a definirla, a grosso modo, como un mundo virtual paralelo en el que las personas viven como
avatares y en el que es necesario el uso de gafas de realidad virtual para poder disfrutar de las experiencias que ofrece.

Hoy en día existen multitud de mundos virtuales compitiendo entre sí, no obstante se espera que poco a poco, ya sea mediante la unión de distintas empresas propietarias de los mundos
mencionados o porque una despunte sobre otra, el metaverso acabe siendo uno solo.

Pero, ¿qué cosas podemos hacer en estos mundos virtuales? ¿Cuáles son las experiencias que ofrece? Lo cierto es que estas son casi ilimitadas: desde disfrutar de un concierto en directo, ver
un desfile de moda, ir de compras, visitar galerías de arte, quedar con tus amigos, asistir a clases, fiestas, conferencias, hasta realizar reuniones de empresa, entre otras.

En relación al mundo de la moda, el pasado mes de marzo tuvo lugar la Metaverso Fashion Week, el primer evento de este mundo virtual dedicado íntegramente a la moda. Tuvieron lugar más de 60 desfiles de firmas y diseñadores, a los que se asistía con su correspondiente entrada o invitación. Tuvo también
cabida un espacio en el que se ofrecieron conferencias, otro que albergaba una galería de arte de nada menos que tres plantas, así como una zona en la que se podía adquirir prendas y accesorios
virtuales de distintos diseñadores. Además, se creó una Parcel-MetaParty, un espacio en el que los asistentes disfrutaron de eventos musicales con DJs o músicos en directo. En conclusión, una
recreación de una fashion week presencial trasladada al mundo virtual.

Y es que aunque parezca algo del futuro, se trata de una realidad (virtual) muy presente. Firmas como Gucci, Louis Vuitton, Dolce & Gabbana, Moschino, Burberry, Balenciaga, Prada y Ralph
Lauren, así como Nike y el gigante del fast fashion Zara, son algunos ejemplos de empresas que ya han hecho incursiones en este. Algo que no es de extrañar puesto que los avatares de esa
“realidad alternativa” también tienen que vestirse.
Pasando a hablar de los NFTs y su relación con todo lo mencionado anteriormente, primero descompondremos sus siglas, que significan Non Fungible Tokens, o lo que es lo mismo “tokens
no fungibles”. Para que lo entendamos mejor, se trata de activos digitales no intercambiables certificados legalmente con la tecnología blockchain. Por lo tanto, los NFTs que adquiramos solo
podemos disfrutarlos de forma digital (por ejemplo, en el metaverso), ya sea mediante tecnología de realidad virtual o realidad aumentada, y seremos dueños legales y certificados de estos.
Los NFTs pueden ser desde obras de arte, fotografías, canciones, filtros de peinados, maquillaje o tatuajes, prendas de vestir, hasta tweets. Para adquirirlos existen distintas plataformas digitales,
un ejemplo de estas es This outfit does not exists, una web que se dedica a la venta de moda virtual de distintas marcas.
Llegados a este punto, podemos preguntarnos para qué queremos adquirir prendas de vestir que nunca podremos llevar en la vida real. Un motivo puede ser que, además de poder usarlas en tu
avatar, ya sea en el metaverso o en distintos videojuegos, muchas de ellas están pensadas para poder ser utilizadas como filtro mediante la tecnología de la realidad aumentada, pudiendo, a
través de una cámara, “vestir” de forma digital esas prendas, algo que por ejemplo, puede servirnos para sacarnos una foto o asistir a una videoconferencia.
No sabemos hasta qué punto llegará esta nueva tecnología y en qué grado formará parte de nuestras vidas, pero lo que sí es seguro es que está creando nuevas profesiones dentro de la
industria de la moda y que va a generar por tanto oportunidades hasta ahora impensables.

Muestra de NFT creado por Prada. El primer jueves de cada mes la firma presenta una prenda física que estará disponible solo durante 24 horas y que al adquirirla el comprador recibirá un NFT de regalo. Fuente: Prada.com

Colección Genesi de Dolce&Gabbana para UNXD. Colección que mezcla prendas digitales y físicas, lo que se conoce como phygital. Fuente: FashionUnited

Imagen de la Metaverse Fashion Week que tuvo lugar del 24 al 28 de marzo en la plataforma Decentraland.

“Stand” de Tommy Hilfiger en la Metaverse Fashion Week.

Judit Morales

3º Diseño de Moda

MET GALA 2022

Como cada primer lunes de mayo desde 1948 (a excepción de 2020, año en que fue cancelada a raíz de la pandemia y de 2021, que se trasladó a septiembre), el pasado día 2 tuvo lugar la celebración de la MET Gala 2022, uno de los eventos más importantes de la industria de la moda.

En primer lugar y para ponernos en contexto, se trata de una gala benéfica que tiene el objetivo de recaudar fondos para el Metropolitan Museum of Art Costume Institute, y, además, sirve de pistoletazo de salida para la exposición de moda anual organizada por la misma institución.

El evento comienza con la llegada de sus asistentes y la subida de estos por la escalinata con alfombra roja de la entrada del museo, un momento que acapara todas las miradas, pues es cuando podemos observar si los invitados se han ceñido o no al dress code propuesto por la temática asignada que a su vez está estrechamente relacionada con el tema de la exposición. Y es que el evento organizado por el comisario del Costume Institute, Andrew Bolton, junto a los copresidentes honorarios que son la editora jefe de Vogue USA, Anna Wintour; el diseñador de moda Tom Ford; y el director de Instagram, Mosseri, se ha convertido en lo que podría definirse como los Oscar de la moda.

En esta ocasión la exposición ha sido concebida como un tributo a la moda estadounidense, y es que In America: An Anthology of Fashion, se presenta como segunda parte de la exposición ya iniciada en la anterior gala celebrada en septiembre: In America: a Lexicon on Fashion. La temática del evento y en consecuencia el dress code asignado, ha sido, siguiendo con la idea de dar visibilidad a la moda y sociedad estadounidense, Gilded Glamour. Además y como todos los años, se asignan una serie de anfitriones de la gala, siendo en esta ocasión los elegidos Blake Lively, Ryan Reynolds, Lin-Manuel Miranda y Regina King, todos actores y actrices.

Volviendo al tema del Gilded Glamour, se trata éste de un concepto que hace referencia a la Edad Dorada que vivió Estados Unidos a finales del siglo XIX, concretamente entre 1870 – 1910 y haciendo especial hincapié en la ciudad de Nueva York. La Edad Dorada estuvo marcada por una rápida industrialización y expansión demográfica, por la innovación en los procesos de fabricación y en consecuencia por un creciente poder económico, así como fue el momento en el que finalizó la Reconstrucción (concretamente en 1877) y en el que se consolidaron las grandes fortunas. En cuanto a la moda fue en ese momento cuando nace la alta costura. La moda femenina destaca en esos años el uso del polisón creando volumen en la parte trasera de las faldas, el uso del corsé, las mangas jamón y los tocados.

No obstante y cada vez es más evidente, la omisión que hacen muchos de los asistentes a la etiqueta de vestimenta propuesta. Y es que parece que solo una pequeña parte de los estilistas han comprendido el tema propuesto o han querido ceñirse a él. A continuación podéis ver algunos de los looks que se vieron la noche del evento acompañados de breves notas explicativas. Que cada uno juzgue por sí mismo.

Proyecto Re.Vita

El grupo HMY, con más de 60 años de trayectoria como líder en ingeniería, fabricación y montaje de mobiliario destinado al retail, cuya principal actividad es la creación de espacios de venta enfocados en la experiencia del cliente está apostando por una nueva línea de negocio cuyo eje principal gira en torno a la sostenibilidad. Esta se engloba dentro del plan de transición ecológica que han titulado como SmartEcoHMY, el cual tiene como objetivo el cumplimiento total para 2025 de 5 retos relacionados con una producción que se base en la reutilización y reciclaje tanto de sus productos como de las empresas con las que trabaja.

Los 5 retos mencionados son: que el 100% de sus productos esté fabricado con material reciclado; que sus proyectos se guíen por los principios del ecodiseño; que el 80% del producto que fabriquen pueda ser reciclado o reutilizado; que la mitad de sus residuos sea material reciclado de los residuos de sus clientes; y que ninguno o casi ninguno de los residuos que produzcan acaben en el vertedero, algo que ya han logrado pues en 2021 se les otorgó la certificación de empresa Zero Waste.

El proyecto en concreto que ha propiciado la colaboración con HAC_R es conocido como Re.Vita. Fue presentado a los alumnos de tercer curso de Diseño de Moda del centro en una sesión impartida por Jesús Cebrian Sanz, responsable de innovación en nuevos materiales y tecnologías de HMY, bajo el título «Sostenibilidad: Pilar del nuevo retail». En ella se dio a conocer un nuevo material creado a partir del tratamiento de residuos textiles obtenidos a través de la Fundación San Ezequiel Moreno.

El proceso de fabricación del tejido Re.Vita se basa principalmente en la trituración de prendas o residuos textiles para luego convertirlos en láminas de distintos grosores y rigidez sin utilizar más aglutinante que el propio poliéster ya presente en los tejidos. Este en contacto con el calor se derrite actuando como pegamento. Se obtienen desde un tejido similar al fieltro, de mayor o menor suavidad según la cantidad de poliéster, hasta láminas rígidas de distintos grosores.

La finalidad de este material es la de ser utilizado para la creación de nuevos productos: tanto mobiliario para tiendas como productos de merchandising, apostando firmemente por la circularidad de los productos textiles. Asimismo, se mostraron algunos ejemplos de usabilidad, como el proyecto que llevaron a cabo para la tienda del Valencia Basket y que consistió en el diseño y producción de bolsas destinadas a la venta.

Con esta presentación se invitaba a los estudiantes de diseño a conocer y experimentar con este material para conseguir con ello el desarrollo de nuevos productos susceptibles de ser llevados a la práctica.

El proyecto, que apostó por la transversalidad entre distintas asignaturas del tercer curso de Diseño de Moda, dio como resultado un catálogo compuesto por 16 propuestas distintas de uso para el material textil Re.Vita además de la creación de un prototipo físico para cada una de estas.

Un resultado fruto de una previa labor de investigación que incluyó un análisis teórico de los clientes con los que HMY ya había trabajado en alguna ocasión y entre los que se encuentran L’Oreal, Volkswagen, Michael Kors, Heineken, entre otros (se investigó la misión, visión y valores de estas, cuál es su cliente objetivo, su estética, etc.) y uno de carácter más práctico en cuanto a conocer las características técnicas del material Re.Vita, cómo se podía trabajar (su maleabilidad, resistencia al calor, al agua, opciones de corte y costura, etc.). Esta fase de investigación fue lo que condujo a la posterior fase de diseño, trabajada mediante la creación de moodboards o paneles de inspiración, un proceso de bocetaje y la realización de maquetas previas, todo ello con el fin de llegar a un prototipo final.

Este prototipo fue fotografiado en estudio y trabajado en Photoshop para presentar el producto de forma profesional en el posterior catálogo maquetado en InDesign.

Tras poner en común todas las propuestas de diseño con sus respectivos prototipos, pudimos observar la gran cantidad de oportunidades que presenta este nuevo material en sus distintos formatos (como tejido o tabla rígida). Un material cuyo estudio y manipulación puede ser muy interesante para los futuros diseñadores de moda puesto que conjuga perfectamente con los valores de sostenibilidad y conciencia medioambiental que se promueven en el sector.

Imágenes de la sesión «Sostenibilidad: Pilar del nuevo retail» impartida por Jesús Cebrian en la asignatura Materiales, Fibras y Estructuras Textiles III.

Imagen que muestra parte del making of de la sesión de fotografía de producto en estudio, como tarea para la asignatura Fotografía Aplicada al Diseño de Moda I.

Pequeña muestra de algunos de los productos realizados para la asignatura Proyectos III, presentados en el catálogo maquetado en la asignatura Medios Informáticos Aplicados a la Comunicación de Proyectos II. Entre ellos están un antifaz para dormir y un set de posavasos, ambos realizados con la variante de tejido suave; un expositor para zapatos, realizado a partir del material rígido; y una funda para la tablet confeccionada con una variante textil más rígida. Los colores de los productos están condicionados por el color predominante de los tejidos empleados en la creación del material Re.Vita, puesto que el uso de tintes artificiales no comulga con la idea de producción ecológica.

Ciclo Confluencias_ REVELIGION

El Ciclo Confluencias, organizado por Centro Superior de Diseño Hacer Creativo junto con Fundación Ibercaja, regresa esta edición de forma presencial en el Patio de la Infanta.

Esta edición, que cuenta con cinco ponencias impartidas por distintos diseñadores, dieron comienzo el pasado jueves 17 de febrero con la presencia de REVELIGION, una firma afincada en Sevilla que aúna moda y arte floral: las dos pasiones de su creadora, María Rodríguez Blanco. Una firma con gran proyección que le ha permitido ser una de las tres finalistas en el certamen Who’s on Next que organiza Vogue España con la finalidad de dar visibilidad a diseñadores emergentes. Además, ha vestido a María José Llergo para la entrega de los Premios Goya de esta edición y sus prendas han aparecido en prensa en numerosas ocasiones, llegando incluso a protagonizar la portada de la revista de moda ELLE.

María es una mujer inquieta que además de haber estudiado el grado de Diseño de Moda en Sevilla, ha trabajado como florista y se ha formado en diseño gráfico, estilismo, visual merchandising, patronaje, costura y relaciones públicas. Se define a sí misma como una apasionada del amor, con gusto por lo armónico, ojo para todo lo estético, creativa, con un punto diferenciador y muchas ganas de aprender y hacerse escuchar.

Comenzó la ponencia presentándonos REVELIGION, una marca impregnada de sus vivencias personales así como de sus inquietudes, y cuyo nombre surge de la fusión de los conceptos Revolución, Revelación y Religión. Nos habló de su familia y amigos y la importancia que estos tienen en todo el proceso de creación tanto como persona como diseñadora. Acompañó la presentación de la firma de forma visual con uno de sus vestidos llevados por una modelo, en el que se podían ver elementos estéticos ya característicos de la marca: el tul y el juego de volúmenes.

Continuó hablando de uno de sus logros más recientes: su paso por el certamen Vogue Who’s on Next como una de las tres finalistas de la última edición. Compartió su experiencia con nosotros e hizo un repaso del dossier que tuvo que entregar para presentarse. Un dossier creado con mucho mimo y gusto que recogía la esencia de REVELIGION y en el que, entre otras cosas, repasa sus colecciones anteriores; la misión, visión y valores de la firma, con un fuerte compromiso hacia el cliente y un camino marcado hacia la sostenibilidad y la conciencia social; presenta a su equipo y a su familia; muestra algunas de sus apariciones en prensa; habla de la línea de negocio dedicada a los arreglos florales dentro de la misma firma; y comenta uno de sus próximos proyectos: crear la Fundación REVELIGION, en la que se propone enseñar a personas con discapacidades físicas o mentales técnicas artesanales de confección textil.

Hacia la mitad de la presentación, la modelo regresó al escenario con un vestido de tul en color malva que pertenece a la colección Ecolé. En este pudimos ver la técnica que nos define como “lechuguita”, una técnica artesanal típica en Andalucía que consiste en cortar tiras de tul estrechas, fruncirlas y coserlas muy juntas unas de otras, generando así un volúmen y textura muy interesantes.

Llegando al final, la modelo salió con el tercer y último look, compuesto este por un mono de tul amarillo con las mangas frunzidas sobre el cual llevaba un pantalón formado por una rejilla de lana en la que se habían introducido perlas de gran tamaño que generaban sonido con el movimiento de la prenda.

Para cerrar la ponencia mostró de forma física el dossier que ya había comentado, pasando sus páginas para que pudiéramos apreciar las distintas texturas y juegos al estilo “pop-up” que había introducido en ellas.

Imágenes del backstage durante la elaboración del maquillaje y peinado por parte de ABSOLUK Hair Care.

HAC_R DIÁLOGOS 21/22: PARIS 64

El segundo día de las jornadas HAC_R Diálogos lo protagonizó la charla que dieron María Alfonso y José María Pozas, fundadores de la firma de moda París/64, una firma cuyo manifiesto ha sido creado bajo el título 100% Spanish Savoir Faire.

Esta frase ya puede darnos muchas pistas sobre la visión, misión y valores de la marca, y es que hablamos de una firma “slow fashion” con un alcance muy grande en el canal online y con tienda física en Zaragoza en Paseo de la Constitución, cuyos productos son diseñados en Zaragoza y producidos íntegramente en España; la fabricación de sus bolsos y zapatos, realizada en Ubrique, municipio famoso por albergar los mejores artesanos del mundo en el trabajo de artículos de piel, justifica completamente el uso de la expresión Savoir Faire.

El estilo de París/64 puede definirse como elegante, atemporal, versátil y, como ellos mismos dicen: retro vintage parisino. Inspirándose en musas como Grace Kelly, Jane Birkin o Audrey Hepburn, consiguen crear piezas atemporales de calidad pero con un

estilo que consigue marcar la diferencia en quienes las llevan.

Esta pareja de jóvenes emprendedores nos habló de cómo el esfuerzo constante, unido a la pasión, pueden dar como resultado una empresa de éxito en el sector moda como es París/64.

Algunas claves que nos dieron y que pueden sernos útiles tanto en el futuro profesional como en el presente como estudiantes, fueron: ser resilientes, trabajar con pasión por nuestro proyecto, ser constantes, hacer autocrítica sobre nuestros productos y nuestro trabajo, elegir bien a los compañeros de viaje y ser coherentes. Además, nos contaron experiencias propias vividas durante la formación de la empresa, tanto experiencias buenas como errores de los que aprendieron a nivel empresarial.

En cuanto a su relación con los clientes, es importante mencionar que París/64 ha sabido escuchar y conocer a sus clientes, y gracias a ello ha creado una comunidad muy buena a través de Instagram, red social en la que acumulan más de 58 mil seguidores. En esta no solo muestran sus productos, si no que también aportan contenido de calidad y de interés para sus seguidores. Ejemplo de ello lo vemos también en su página web, donde tienen un apartado bajo el título Journal dedicado a publicar distintos posts de interés como entrevistas, propuestas de looks, guías de viaje, etc.

Por último dejaros con una fórmula ideada por Víctor Küppers que quisieron compartir con nosotros, la fórmula del éxito:

Conocimiento + Habilidad x Actitud elevada al cuadrado

Dejamos a continuación la entrevista realizada a María Alfonso y José María Pozas ese mismo día:

Bueno, algunas de las preguntas ya las habéis ido contestando en la charla, como la creación de la empresa y sus dificultades, así que voy a pasar a algo que como futuros diseñadores nos puede interesar.

El proceso de diseño, desde que llega la inspiración hasta su creación. ¿Cómo es el proceso de diseño en un equipo de 10 personas?

Bueno, somos 10 personas ahora. Cuando empezamos solo éramos dos. No teníamos un background de diseño si no como consumidores de moda. Es una inspiración que te viene en un momento que lo dibujas en una servilleta, no de manera súper experta con ficha técnica y demás como hacemos ahora con todos los detalles, que ya somos un equipo que somos capaces de ir al detalle máximo de una cremallera.

En ese momento era partir de un boceto y tratar de convertir eso en un producto real de la mano también de nuestros proveedores, porque al final es muy importante el taller donde vas a realizar el bolso porque te ayuda a materializar la idea que tienes, que al final es lo importante, tener una idea, no tanto saber dibujarlo perfecto.

Entonces sobre cómo se trabaja: desde esa idea ellos crean un patrón en el taller, sobre ese patrón se crea una maqueta inicial, sobre esa maqueta se hacen rectificaciones y modificaciones para ya tener la primera unidad definitiva.

En esto también nos hemos profesionalizado mucho, hemos pasado de dibujar un bolso en una servilleta a tener una persona que maneja Indesign y hace todas las fichas técnicas de una manera súper detallada. Pero todo parte siempre de una idea “emocional” y luego ya lo vas profesionalizando.

Para nosotros la inspiración está muy enfocada en la atemporalidad, en bolsos muy versátiles con ese toque retro. Intentando trasladar el estilo del pasado de musas que nos encantan como Grace Kelly y trasladarlo a la actualidad con ese toque moderno.

Es curioso que vuestros top ventas sean los primeros modelos que lanzasteis.

Sí, prismatic que es nuestro icono absoluto de la marca es de los primeros productos que lanzamos y cada vez está en más combinaciones de color y pieles.

Hace poco propusisteis en redes un reto en el que teníamos que crear un shopping inspirado en una mujer que nos inspirase. ¿Cuáles son las musas que más os inspiran al diseñar para París/64?

Mujeres como Jane Birkin o Audrey Hepburn. Es esa elegancia clásica de llevar mucho bolso de mano. Es verdad que ahora el bolso de mano está en decadencia pero intentamos adaptar esa elegancia a la vida actual. Por ejemplo el modelo prismatic funciona perfectamente como bolso de mano y además le hemos añadido una bandolera para llevarlo colgado.

La parte más importante es que los productos tengan ese toque vintage parisino. Somos una marca made in spain 100% savoir faire. En nuestro caso el toque y diferenciación es que toda la colección transmite lo mismo.

En una época en la que el online está funcionando tan bien, ¿por qué decidís abrir una tienda física? ¿Y por qué en Zaragoza?

La tienda de Zaragoza nos da una primera experiencia en el mundo del retail que nos da muchas cosas a corto plazo: primero conocimientos de consumidor y segundo conocimiento de un mercado distinto con un público distinto. Intentamos que transmita otra experiencia y nos acerca a un mundo que no es el digital, ese público de 50-60 años que igual no quiere comprar digital y que pueden testar el producto en la tienda física.

Tercero, nos ayuda a subir contenido. Y cuarto, nos aumenta el conocimiento de los intríngulis del mundo del retail: la falta de stocks, problemáticas de saber qué producto funciona mejor en tienda, etc.

Nuestra intención es trasladar a un punto físico cuando el mercado digital está teniendo éxito para que el cliente pueda tener la experiencia física. La de Zaragoza es puramente experimental pero a corto plazo vamos a intentar tener una tienda en Madrid porque nos lo piden las clientas y algún día intentaremos también escalar a nivel internacional en mercados más maduros.

Leyendo el Journal de vuestras redes, veo que hacéis muchas colaboraciones con otras firmas made in spain. Creo que el apoyo entre las firmas es algo que a raíz de la pandemia ha aumentado, sin perder la buena competencia, pero en general veo que dais a conocer firmas más pequeñas y les dais apoyo mediático.

Para nosotros es muy importante. Instagram es una comunidad y la unión hace la fuerza. Tú solo vas creciendo, pero si te vas uniendo a otras marcas que, importantísimo, tengan tus propios valores, que representen lo mismo que tú y tengan el mismo cliente potencial, es muy importante la unión porque al final suma mucho. Hay que pensar en estrategias win-win buscando el crecimiento conjunto y alejarse de la mala competencia. El mundo de hoy es un mundo de unión y colaboraciones con otras marcas y personas que transmitan tu proyecto.

¿Y no os preocupa, es decir, qué opinión tenéis sobre el miedo a la copia de vuestros productos?

Al final el valor de algo no es solo el producto, alguien puede copiar exactamente tu producto pero si no tiene tu potencia de marca, tu estilo de comunicación, tu fotografía, tu web, tu carisma, etc… pues no va a ser lo mismo. Hay tantos componentes que si sólo te quedas en el peligro de que te copien, te estás perdiendo muchas cosas que se pueden aportar entre las marcas.

Habéis apostado porque el 100% sea made in spain. Eso lo tenéis que tener muy claro ya que aumenta los costes de producción.

Sí, es más difícil competir. Nos escribe constantemente mucha gente de fuera pero… en muchas ocasiones la producción no está controlada. A parte de eso no es éticamente correcto y no es coherente con nuestros ideales. Como no sabes eso, si lo haces no tienes identidad. Nuestra identidad desde el nacimiento es hacer todo en España. Si cambiáramos eso seguramente muchos clientes que aman esa ética empresarial se sentirían engañados. por no hablar de repercutir en la propia economía del país, dar puestos de trabajo, etc. En general es la coherencia y buscar la diferenciación. A Zara no le vas a ganar, tienes que ser otra cosa. Por eso siempre intentamos ser únicos.

En la charla habéis dado algunos consejos como las cuatro P del marketing, elegir bien a los compañeros de viaje, conocer bien al público y hacer autocrítica. ¿Algún otro consejo que pudieseis dar a los estudiantes?

El consejo principal es que te apasione. Al principio no sabes lo que es emprender y te vas metiendo en la boca del lobo, cada año puede ser más difícil del otro y eso significa que o te apasiona o te caes. Quizá una clave es la persistencia porque hay muchas oportunidades de tirar la toalla. Todo lo demás vendrá y la experiencia te lo irá dando. Sin pasión da igual que sepas todos los trucos del mundo.

Por último os voy a pedir que me defináis París/64 en 3 palabras.

100% spanish savoir faire. Son 4 ( ríen), este sería el lema principal. Tres adjetivos claves podrían ser: versátil, atemporal y elegante.

sdr

HAC_R DIÁLOGOS 21/22: Carlos Larraz (Funidelia)

El pasado 21 y 22 de diciembre tuvo lugar la edición del curso 2021 – 22 de Hac_r Diálogos, dos días de charlas de la mano de profesionales del sector del retail con muchas experiencias y conocimientos que compartir con los alumnos del centro.

El primer día tuvimos la oportunidad de conocer a Antonio Escartín, fundador junto a Carlos Larraz, de Funidelia, empresa líder en España y de las principales en Europa dedicada a la creación y distribución de disfraces y productos de merchandising.

Funidelia es una empresa online, con oficinas centrales en Zaragoza, cuyos productos a día de hoy llegan a más de 100 países. Se trata de un caso de éxito que comenzó en 2011 cuando dos chicos de 25 años con un claro espíritu emprendedor decidieron lanzarse a crear la empresa. En esta, en sus comienzos solo eran distribuidores de productos externos, actualmente son productores de gran parte de su stock con vistas a que en un futuro esa producción sea del 100%.

Algunas claves de su éxito pueden ser el extenso catálogo que ofertan, en el que ofrecen tanto productos bajo licencia (Warner, Toy Animation…) como productos propios; la calidad tanto en diseño como en confección de sus disfraces y complementos; y una buena gestión logística que permite acortar los tiempos de entrega al máximo.Durante la charla Antonio Escartín nos contó los pasos que siguieron para crear la empresa, partiendo de una idea y una buena investigación del mercado, pasando por la búsqueda de un nombre, la creación de una web y un importantísimo posicionamiento seo. Además nos habló de la experiencia de buscar fondos de inversión para lo que es importante tener creado un buen plan de negocio.

Asimismo compartió con nosotros algunos consejos muy útiles para aquellos que tengan espíritu emprendedor, estos fueron tratar de seguir el principio de Pareto, que defiende que lo ideal sería que con un 20% de esfuerzo obtuviéramos un 80% de resultado, por lo que dice que es importante priorizar y saber invertir los esfuerzos; equivocarse rápido, para aprender de los errores lo antes posible; y a no olvidar los analizar los datos, puesto que son una herramienta totalmente objetiva sobre el funcionamiento del mercado.

A continuación podéis leer la entrevista realizada a Antonio Escartín tras la charla:

A lo largo de la conferencia habéis ido respondiendo ya a la primera pregunta que se refería a vuestros inicios. ¿Cuál pensáis que es la clave de interés en vuestro sector y dentro del marketing que creeis que ha sido clave para llegar al consumidor?

Bueno, nosotros somos un negocio intencional, nos preocupamos de resolver una necesidad que tenga alguien en un momento puntual y que la traduzca buscando en un buscador de internet . Es la mejor manera que tenemos de llegar al cliente porque no tenemos la capacidad en general de identificar la necesidad del cliente cuando la tiene. Somos un negocio de necesidad puntual. En ese sentido el principal motor del marketing de la compañía es el posicionamiento de pago pero en buscadores complementada con campañas de bombardeo en momentos puntuales que pueden tener impacto como carnaval, halloween, etc.

De igual manera intentamos estudiar al cliente para impactarlos en los momentos donde más compran.

Claro, estáis presentes en más de 50 países. Entiendo que las festividades son diferentes y los momentos de mercado cambian.

Sí, el ejemplo más claro es que en Dinamarca hay un gran carnaval en mayo y entonces en esa época tenemos mucho volumen en el almacén de Escandinavia, aumento de publicidad, etc.

Imagino que hay una labor de investigación intensa detrás de estos eventos.

Hay una parte de investigación pero normalmente la información nos la da la experiencia, trabajamos mucho con los datos. No somos muy proactivos, generalmente somos reactivos.

Con respecto a vender en casi todo el mundo, abarcar un público tan extenso; ¿cuáles serían los pros y los contras de estar tan expandidos?

Básicamente que los problemas concretos se hacen muy grandes. Al final tienes un montón de problemas diferentes que se solucionan de maneras distintas y no puedes homogeneizar todas las soluciones. Nosotros tendemos a intentar hacer las cosas lo más homogéneas y más escalables posibles para que nuestra estructura europea nos sirva para los demás lugares, aunque evidentemente tenemos que ir haciendo ajustes y eso cuesta. Mantener las diferencias culturales en general es caro para la empresa.

Centrándonos un poco más en el apartado de diseño, como futuros diseñadores de moda nos gustaría saber cómo es esa parte previa a la creación de vuestro producto. Imagino que esa labor de investigación e información visual la realiza el departamento de diseño. ¿Qué metodología de trabajo usan?

Ojalá te pudiese contestar bien. Realmente lo que se hace es eso: hay un interés en un producto y ese producto unas veces hay que crearlo, y otras veces replicarlo técnicamente tal cual es como por ejemplo un disfraz de Superman o Flash de “x” película que visualmente tiene que ser ese para que los licenciatarios lo aprueben. Hay mucho trabajo de corrección de diseño de un patrón original para crear arreglos posteriores que se adapten a lo que exige el licenciatario. Esta parte es mucho más técnica de diseño de patrones y confección.

Por otra parte, con disfraces de líneas más genéricas como piratas, un charlestón, etc., es un trabajo más inspiracional. El diseñador tiene más libertad y es un trabajo más agradecido para el que le gusta el diseño, aunque ambos trabajos son igual de importantes a nivel de la empresa.

Ya me has respondido en parte, quería preguntarte por estas licencias de Warner y otras películas, ¿Hasta qué punto podéis ser creativos con estos diseños?

En general en ese sentido muy poco, depende del licenciatario pero en general son muy estrictos; especialmente los japoneses exigen exactitud casi al milímetro.

¿Crees que hay cabida para diseñadores de moda en vuestro sector?

Yo creo que sí, de hecho conozco a nivel personal a varios diseñadores de moda que por “x” circunstancias han acabado haciendo diseño de disfraces. Al final son muchos productos y muchos diseños por lo que es un sector que algo de impacto tiene, no a nivel de la moda genérica como la conocemos pero podríamos decir que es un “nicho” dentro del mundillo.

Siempre decís que sois una empresa online. ¿Cómo veis la llegada de este Metaverso que se está publicitando tanto últimamente? ¿Creéis que hay cabida para en un futuro crear disfraces digitales?

Es muy complejo pero sí, yo creo que todo se va a replicar en este metaverso. La gente lo que quiere es crear sociedades paralelas por lo que todo tiene cabida. El vestuario en general para los avatares será algo que se valore mucho.

Durante la charla nos has dado algunos consejos para quienes quieran emprender y crear su propia marca. Yo he apuntado 20% esfuerzo y 80% resultado así como el equivocarse rápido. ¿Añadirías alguno más?

Siempre digo esas y sobre todo basarse mucho en los datos y actuar en función de ellos para no actuar guiado por las emociones.

Para terminar, ¿cómo definirías Funidelia con tres palabras?

Hoy me pillas poco inspirado (ríe), muy a lo lírico diría: Diviértete con fantasía.

Alejandro Andújar, pasión por la escena

Alejandro Andújar es el nuevo invitado a participar en la 2º conferencia de la III Edición del Ciclo Confluencias. Un proyecto cultural que nació de la sinergia de dos entidades, Fundación Ibercaja y el Centro Superior de Diseño Hacer Creativo. Un proyecto que trata de acercar el mundo del diseño de una forma única y transgresora a sus espectadores. Dada la situación sanitaria actual, la conferencia tendrá lugar en el canal de YouTube de Fundación Ibercaja y esperamos, sea muy pronto, recuperar la presencialidad.

Alejandro, Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y Licenciado en Escenografía por la Real Escuela Superior de Arte Dramático. Destaca por ser finalistas de la XIV edición de los Premios Max al mejor Diseño de Vestuario, y por estar vinculado a alguna de los diseños de vestuario y escenografía de teatro y ópera más prestigiosos a nivel nacional.

Algunos de los directores de escena con quienes ha colaborado estrechamente son Gerardo Vera -‘Madre Coraje’, de Bertolt Brecht, ‘Platonov’, de Chéjov, ‘Rey Lear’, de William Shakespeare, ‘Un enemigo del pueblo’, de Henrik Ibsen, ‘Divinas palabras’, de Valle-Inclán, ‘La voz humana’, de Jean Cocteau y Francis Poulenc, ‘Agosto’, de Tracy Letts- y Alfredo Sanzol -‘Sí, pero no lo soy’, ‘Risas y destrucción’, ‘Días estupendos’, ‘Delicadas’, ‘En la Luna’-. También ha trabajado con los directores José Luis Gómez, Josep Maria Flotats, Carles Alfaro y Pepe Bornás.

FECHA: Lunes 26 de abril

HORARIO: 17.30 horas

Podéis realizar la INSCRIPCIÓN en el siguiente enlace

La conferencia se podrá ver en el CANAL YOUTUBE de Fundación Ibercaja

CALM-A, un proyecto sostenible

ELENA IPARRAGUIRRE, Diseñadora de Moda. Dibujar y pintar siempre han sido dos actividades que realizaba de forma personal hasta que se dio cuenta con el paso del tiempo que la moda era su verdadera vocación. Estudió Diseño de Moda en el Centro Superior de Diseño Hacer Creativo y aprovechó todas las oportunidades que se le presentaron: experiencia de voluntariado en Bombay (India), Erasmus y prácticas en Oporto. Todas estas vivencias que le obligaron a salir de su zona de confort y vivir realidades diferentes le permitieron conformar su identidad como diseñadora y plantearse el papel que jugaba dentro de la industria.

Elena Iparraguirre centra su actividad profesional como diseñadora en la moda sostenible concibiendo el upcycling uno de sus ejes fundamentales por su eficacia en el aprovechamiento de recursos existentes y por el reto a nivel técnico que supone para un diseñador.

Con el upcycling como eje conductor nació CALM-A, una colección cápsula que ha sido posible gracias a Vintage for a Cause, sociedad sin ánimo de lucro que pretende promover el upcycling a través de un proyecto social conectando diseñadores de moda y a costureras senior.

CALM-A se caracteriza por su sencillez, comodidad y versatilidad siguiendo una estética minimalista y refinada. La colección fusiona el corte de prendas clásicas adaptadas a la vida urbana con pequeños detalles que la hacen única. Se adaptan a diferentes cuerpos, edades y estilos permitiendo que las prendas puedan combinarse de forma infinita entre ellas.

CALM-A parte del concepto de una colección previa de Elena llamada Iyet y que se ha adaptado. La inspiración fusiona dos conceptos diferentes, por un lado, el movimiento hip hop de los años 80 y la percepción del actual Egipto de la diseñadora. Esta inspiración se ve en los diseños a través de los cortes y pequeños detalles como los corchetes y aperturas laterales del movimiento hip hop y por otro lado, el lino y el color blanco como predominancia de la colección en su conjunto.

Elena se ha centrado en la elaboración de fichas técnicas, patronaje y prototipos de la colección y para ella era fundamental que la colección fuera visualmente atractiva y que el proyecto que hay de fondo fuera un plus a la hora de añadir valor a la colección, y no al revés.

La elección del material para la colección era algo clave. Vintage for a Cause ha conseguido materiales a través de un proveedor de dead stock para lograr un impacto ambiental mínimo. La ayoría de los tejidos son lino, una mezcla de poliéster y algodón y viscosas. No solo son 100% reciclado el tejido sino todas las fornituras como las cremalleras, los botones…

Las prendas se confeccionan bajo pedido, no hay stock físico con el objetivo de evitar residuos innecesarios. Están dirigidas a personas con sensibilidad por la moda ecológica. No solo se pretende la belleza puramente estética sino también, una belleza ética y responsable.

Actualmente, Elena Iparraguirre está trabajando en un nuevo proyecto del que todavía no puede desvelar muchos detalles pero promete ser algo diferente.

BujStudio: moda, arquitectura e innovación

Artículo redactado por: Alejandrina Hernando (3º Diseño de Moda)

Zap&Buj, actualmente conocido como BujStudio, se autodefine como una plataforma que trabaja en la intersección entre la tecnología, la moda y la arquitectura. Nacida en 2016, la empresa se caracteriza por experimentar con distintos materiales, como la silicona o los polímeros con memoria de forma, y herramientas digitales que van desde la impresión en 3D hasta el corte por láser.

Todo comenzó en 2015, cuando Elena Zapico y Raquel Buj se conocieron en un postgrado de arquitectura, moda y diseño en la ETSAM de Madrid. La primera, de origen leonés y graduada en arquitectura por la Universidad Autónoma de Alcalá (UAH), ya contaba con cierta experiencia en el mundo de la moda, al haber trabajado para Sybilla y coordinado desfiles para Amabel García o Santiago del Palacio; lo que contrarrestaba enormemente con la carrera profesional de la palentina Buj, graduada en ETSAM, quien hasta entonces había centrado su labor en la arquitectura, diseñando emblemas como el monumento al 11-M de Atocha. Y es esta formación tan mixta la que hace de la visión de Buj Studio una muy compleja y vanguardista.

Al compartir ambas mujeres inquietudes muy similares, decidieron confeccionar una colección para presentarla en la Samsung Ego de la Mercedes-Benz Fashion Week de 2017. “Wall Dress” proponía convertir planos arquitectónicos en patrones de moda dinámicos y adaptables a la anatomía humana con ayuda de la tecnología. Bajo la ideología de “Una arquitectura más próxima a ti y una moda adaptada al entorno” tomaron inspiración de la interdisciplinariedad de Iris Van Herpen, Neri Oxman o Martin Margiela, y consiguieron una gran aceptación y reconocimiento entre la crítica, situándose en la categoría de jóvenes promesas del diseño español e incluso mundial.

El look más icónico de esta colección, el cual recibió el nombre de “Wall dress 04”, fue realizado con material de aislamiento reflectante e hilos de nitinol. La conjunción de ambos componentes permitió dotarle de una estructura, textura y forma completamente vanguardista, ya que el material de los hilos posee memoria de forma, y fue gracias a él que consiguieron un efecto tridimensional en un material que de otra manera hubiera sido plano. La silueta del vestido en sí también supone un punto de interés, pues lejos de amoldarse a la figura humana, construye sobre ella, reflejándose de esta manera el objetivo de ambas diseñadoras de conseguir una intersección entre la moda y la arquitectura.

En 2018 y 2019 se convirtieron en finalistas de “Who’s on Next Spain” de Vogue, siendo seleccionadas para mostrar nuevamente su trabajo en la EGO-MBFWM, y recibieron una mención honorable de la Bienal Iberoamericana de Diseño por su labor en los campos del diseño e investigación. Desgraciadamente, el estudio sufrió una terrible pérdida en agosto de 2019, poco antes de presentar su proyecto “Imaginé cinco cuerpos y ninguno era el mío”, al fallecer Elena Zapico en un accidente de tráfico.

Esta creación escénica entrelaza el espacio arquitectónico y el vestuario a través de una performance de danza, recreando un bosque del futuro con materiales rescatados del entorno urbano para que esos cinco cuerpos lo habiten durante un tiempo. La indumentaria parece estar dotada de formas más tradicionales, ya que está compuesta por monos semi-transparentes ceñidos al cuerpo de las bailarinas, y decorados escamas blancas formando diferentes patrones a lo largo de sus figuras.

En una charla TEDx de noviembre del mismo año, Raquel Buj explicó el funcionamiento de su estudio y proceso creativo, en el cual se mezcla la artesanía con la tecnología, invirtiendo infinidad de horas de trabajo en cada vestido. Habló de la construcción del vestido de mejillones, así como de la de su negativo en silicona, y del vestido de las siamesas para llegar finalmente a la conclusión de que Zap&Buj entendían las prendas como pieles. Estableció un paralelismo entre la función protectora de la piel y la indumentaria, proponiendo al público que entendiese el diseño de moda como arquitectura a nivel íntimo, ya que ambos dan respuesta a las necesidades de las personas. Por esto mismo, Buj Studio busca crear prendas sin límites, que sean tan versátiles como la propia piel, que puedan proporcionar calor si es necesario o que incluso se ruborice junto con quien las lleva.

La inmensa carga de trabajo y número de hora invertidas en cada prenda les llevó a tomar la decisión de no someterse a la presión de presentar una colección por temporada, ya que su trabajo va más allá de la moda. La innovación que presentan es atemporal, y puede traer consigo avances muy inesperados que se puedan incorporar a la construcción de prendas fuera de la alta costura, contribuyendo al avance y modernización de la industria de la moda. Piensan en las pasarelas como plataformas de exposición con las que atraer a aquellos curiosos realmente interesados en la inmensa labor de investigación que hay detrás de cada colección.

Se podría decir que Buj Studio va más allá de la moda, ya que lleva a todo aquel que lo conoce a reflexionar sobre los límites de esta disciplina y a seguir de cerca el camino que está realizando hacia el uso de tejidos inteligentes. Incorporando materiales casi directamente de la obra, como láminas de aislamiento o el hilo flexinol, hasta ahora empleado únicamente en medicina y magia, la gran dedicación y labor artesanal con la que los trabajan consigue hacerle sombra a su origen, ya que crean obras de arte que se han convertido sin lugar en ventanas al futuro de la industria.

«Las niñas», un éxito con sabor aragonés

Las niñas es una película de 2020, escrita y dirigida por la joven Pilar Romero, que sigue el despertar de la adolescencia de su protagonista, Celia, así como una serie de tabúes sociales que acompañan a la figura de la mujer como el embarazo o el divorcio. Ambientada en la Zaragoza de los 90, ha sido aclamada por la crítica gracias a la magnífica labor de los departamentos de arte y vestuario, ya que han conseguido representar de manera fidedigna la apariencia de las preadolescentes de la época.

Entre sus numerosos galardones, destacan las nueve nominaciones y tres premios Goya, aunque entre los apasionados de la moda, llama mucho más la atención la maravillosa labor de Arantxa Ezquerro, la diseñadora aragonesa que ya fue premiada por su trabajo en La novia (2015), y que ha sido capaz de evocar nostalgia en este film.

Al narrar la historia de un grupo de preadolescentes la indumentaria juega un papel casi protagonista, y es a través de ella que se puede apreciar su proceso de maduración mental y la conformación de la personalidad de cada una. Esto, en conjunción con el espacio en el que se desarrolla la mayoría de la acción, un colegio de monjas, supuso un gran reto para la encargada del vestuario, ya que no sólo tuvo que preocuparse de llevar los uniformes a casas de confección para adecuarlos a los patrones de la época, sino que tuvo que encontrar la manera de plasmar la personalidad de cada con este impedimento. Pero como se suele decir, el diablo se encuentra en los detalles, y en este caso, los complementos fueron la clave del éxito.

En una entrevista con RTVE la diseñadora afirmó que “En la protagonista (Celia) lo que teníamos claro era la ausencia de complementos, que contrastaba con una de sus amigas. La amiga tenía un poner adquisitivo superior y jugamos con esas chapitas que tenía de viajes o con esas pulseras y esos pendientes de colorines”. En esa misma conversación también nombró a otra de las protagonistas, Brisa, una muchacha proveniente de Barcelona que incorpora varias tendencias más cosmopolitas como el oversize, los parches, las hombreras o los pendientes de colores.

Cabe destacar el inmenso trabajo de documentación que Ezquerro realizó para asegurar la verosimilitud estética de la película. Tuvo que transportarse a una España de incipiente modernidad, en la que ocurrieron eventos de enorme importancia internacional como las Olimpiadas de Barcelona o la Expo de Sevilla. Para ello rescató fotografías, archivos de vídeo y documentales de la época que le ayudaron enormemente a configurar el vestuario, e incluso se sirvió de parte de su propio armario y del de algunos allegados para completarlo.

Por último, es de esencial importancia nombrar la ausencia de blanco puro y rojo en la indumentaria utilizada por los personajes. La decisión de excluir el primer color se debe a que querían dotar a la película de una tonalidad ligeramente más apagada, y el blanco resaltaba mucho, por lo que todas las prendas claras fueron matizadas para que perdiesen algo de brillo. Sin embargo, el rojo goza de un valor simbólico, que ha de descubrirse conforme avanza el argumento, y está reservado a momentos específicos en torno a la parte final, ya que, de esta manera, cobra mucha más fuerza.

Las niñas es una película introspectiva, que conecta con los espectadores a un nivel emocional profundo, ya que logra evocar las vivencias de los espectadores mostrando una etapa de mucho cambio en la vida de cualquier persona: la preadolescencia. Por otra parte, las actrices encargadas de encarnar a las protagonistas hacen un trabajo sublime, lo que, unido al saber hacer de todo el equipo, ha logrado crear un film que, en mi opinión, se convertirá en un clásico del cine español.